FAQ

Les preguntes freqüents amb respostes amb molta informació útil, per exemple com triar un estudi de gravació, informació detallada sobre la gravació i la gravació DYI ⁇ feta personalment, no en un estudi, mescles, masterizacions, tot sobre demos, i més.

Tenim un munt de respostes que estem segurs que voleu saber... El que podem dir és que com més saps, més fàcils i més productives seran les sessions, així que us recomanem que llegiu les nostres FAQ... i que ens contacti si necessiteu més detalls o si teniu preguntes que no heu trobat respostes. Crec fermament que com més informat sigui el client, més reeixides seran les sessions de producció musical, amb millors resultats.

Preparant-se per a la primera sessió de gravació...

Les següents són algunes directrius que poden ajudar a aconseguir una excel·lent gravació...

Programació de la sessió

Planifiqui l'enregistrament de manera prudent i tindràs un avantatge; això estalviarà temps i facilitarà la re-enregistrament de les pistes si al dia següent descobreixes que alguna cosa no ha anat bé. Sempre és millor deixar l'equip durant la nit a l'estudi i continuar el dia següent, descansat, en lloc de fer hores de gravació molt llargues, en què tothom es cansa.

Parla amb l'enginyer i programa les sessions de gravació en dies consecutius per reduir el temps de preparació. Considereu enregistrar primer la bateria i el baix per a totes les cançons i només després passar a les gravacions superposades; la configuració de la bateria és normalment laboriosa.

Sigues descansat i vingues a l'hora; no vinguis amb amics, és feina pesada i et distrauran d'alguna manera. Dormir bé abans de la gravació. Els cantants haurien de despertar-se prou d'hora perquè la veu estigui "en forma" fins que comenci la gravació, o programar les sessions vocals a la tarda o a la tarda.

En programar les sessions, arregleu amb l'estudi que la nit anterior a la gravació pugui instal·lar les bateries i que l'enginyer instal·li els micròfons. Assegureu-vos que ajusteu els tambors abans que l'enginyer posicioni els micròfons. Pots fer una prova de so preliminar i deixar les bateries a l'estudi durant la nit. L'ambient de l'estudi és segurament diferent de l'ambient de la bateria, i això afectarà la regulació de la bateria; el primer que has de fer al dia següent és tornar a comprovar la bateria. En aquest moment es realitza l'ajust final i la col·locació dels micròfons. Si feu tota la configuració el primer dia d'enregistrament, és probable que estigueu cansats i possiblement frustrats, el so canviarà molt durant la sessió d'enregistrament; l'única solució intel·ligent és evitar instal·lar les bateries el dia de la gravació. Comprovar dues vegades si hi ha cridits, sorolls, de manera que tingui temps en cas de tenir que fer algunes reparacions.

Repeteix, repeteix, repeteix...

Assegureu-vos que vosaltres/la banda heu repetit molt! No puc subratllar prou la importància de les repeticions!!! La qualitat del so prové principalment dels dits del músic, i tothom ha de sentir-se confiat i còmode quan canta. L'estudi no és exactament un escenari, així que intenta moure't menys durant els últims assajos abans de la gravació.

Registreu-vos durant els assajos, fins i tot amb un simple gravator. Escoltar material gravat és una verificació de la realitat tant per a la interpretació com per al so. És una bona idea que mostres a l'enginyer aquests vídeos. Aquestes gravacions us ajudaran a identificar problemes de ritme, d'altitud, fins i tot problemes d'arranjament.
Finalitzeu tots els arranjaments de les cançons abans d'entrar a l'estudi. No hi ha cap sentit a discutir per un deck o un sol a l'estudi. Prepara els arranjaments per a cada músic.

L'estratègia d'enregistrament...

Considera instal·lar les pistes de bateria per a totes les cançons que vulguis gravar en les primeres sessions, ja que la configuració de la bateria és laboriosa i pot prendre temps. A la següent sessió, la banda pot passar a gravacions superposades i estalviar temps. Fes un pla escrit de què i com vols gravar, què cal gravar primer, perquè ajuda en el que segueix. Parla amb l'enginyer per planificar de manera eficient.

Sempre es necessita temps per preparar la sessió. Tenir paciència, l'enregistrament triga més temps que la simple reproducció de la cançó. La posició del micròfon i el seu nivell són essencials per a la qualitat de la gravació. Intenta ajudar amb l'equip adequat.

Un cop configurada l'instrument, no mouri els micròfons. En general, són prou forts, no és el problema; el problema és que la seva posició afecta el to. Si s'han desplaçat per error, cal que ho comuniqui a l'enginyer perquè pugui reubicar-los.

Assegureu-vos que teniu tots els ritmes configurats per a les vostres cançons (conegueu el BPM, és útil conèixer-lo quan no feu servir un click track) i és certament una bona idea acostumar-vos a tocar en un click track (metronoma) durant les proves. Si no has fet servir mai el click track, no ho facis fins a mig de la gravació, no funcionarà.

Si estàs cantant vocal i instrumental al mateix temps, prova a acostumar-te a fer només l'instrument i després només cantar; serà més fàcil aconseguir un so millor en gravar l'instrument i la veu separat, és millor concentrar-te en una sola cosa al mateix temps; tot i que, he de dir-ho, els aspectes tècnics són menys importants que aconseguir una excel·lent actuació. Experimentar!

La gravació és un treball dur, no té sentit discutir si ha de ser un sol o dos versos; el temps d'estudi és car, el temps de repetició no ho és, de totes maneres hi haurà prou pressió, així que penseu en tots els arranjaments de les cançons i gaudeu de cantar les cançons. Recordeu la vella dita: "menys és més".

Els millors enginyers de gravació consideren que, quan es tracta de qualitat de so, la capacitat del músic/band/artistes per dominar els seus instruments representa el 60-70% de la qualitat de la gravació, la resta és la càmera (l'espai de gravació), la ubicació del micròfon i el tipus de micròfons i preamplificadors!

Tingues cura quan gravis amb efectes; potser seria millor que gravis net. Una vegada que s'imprimen els efectes, no hi ha manera de treure'ls. Si és així, escriviu en un tros de paper quins retardadors utilitzeu, el seu bpm, que és el pre-delay per a la reverberació, i doneu-ho a l'enginyer. Si vols una guitarra distorsionada o un baix distorsionat, no hauria de ser un problema. Però el retard o la reverberació poden crear caos a la mescla. Deixeu d'afegir reverbs/corus/delay per a la fase de mescla, llevat que siguin part del vostre so. En aquest cas utilitzes un DI i dividis el senyal, un net, directament, i un a través de l'amplificador normal. Aquesta és una solució que ha salvat tants registres! En el jazz, les coses són una mica diferents, normalment els que fan jazz saben exactament el que volen i tenen una millor comprensió del so. Quan es tracta de rock i pop, on hi ha sobreposició, i una cançó pot arribar a tenir diverses pistes, és millor deixar les opcions obertes perquè hi hagi més possibilitats de crear l'espai.

Utilitzeu roba còmoda i silenciosa; els micròfons són molt sensibles, així que eviteu els sorolls no desitjats. Deixa't de joies, no les necessites i fan soroll. Si saps que vas a intentar utilitzar una guitarra o un baix que l'estudi té, assegura't que tens pantalons còmodes que no tenen corretges; cap enginyer d'estudi et permetrà tocar els instruments de l'estudi si sap que hi ha la possibilitat que els esgarreixis.

Si ets un guitarrista i vols utilitzar una guitarra clàssica que l'estudi té i la guitarra té polissatge francès per damunt (enorme de prim), assegura't que portes mans llargues, ja que el acabament amb polissatge francès es veu afectat per la transpiració de la pell.

No dubteu a demanar consell a l'enginyer quan tingueu un problema. La majoria dels enginyers són o van ser músics, tenen molta experiència i us ajudaran immediatament.

Tanqueu els telèfons quan arribeu a l'estudi; pregunteu quina és la política sobre menjar i beure - és probable que estiguin prohibits a la sala de control. Tingueu una bona alimentació, necessiteu energia. Intenta mantenir les converses a baix nivell i evita discussions o comentaris, especialment durant la gravació de veu. Donem espai al cantant, la veu és la part més important de la cançó!

Verifiqueu i escolteu!

Sempre escolteu amb atenció el que heu gravat!!! És possible que l'enginyer no pugui saber que alguna cosa no està bé en la interpretació; i de vegades pots indicar problemes de so! No escoltar el material gravat és un gran error d'amateurs! Escolteu els sons baixos i demaneu als enginyers que reprodueixin les peces sense reverberació ni cap altre efecte. Sona bé? Si és així, tot està bé. Si no, decideix si has de reutilitzar alguna de les teves eines.

No us precipiteu a prendre decisions! És millor pensar-ho dos cops, intentar ser el més objectiu possible.

Recordeu sempre que si voleu obtenir un so molt personal, heu de prendre temps per experimentar; sense experimentar, no hi hauria "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band". Pepper's... els Beatles, o "Time" els Pink Floyd, o les bateries de Phil Collins.

Escriu el títol de cada cançó; proporciona el màxim de detalls, incloent la tonalitat de les cançons (o la tonalitat de cada part de la cançó), els diagrames de acord, la seqüència general de l'arranjament, les paraules. Això és útil en l'etapa d'edició - per a la correcció de la veu i per a instruments com el baix acústic, instruments de corda.

Porta un disc dur amb tu i demana a l'enginyer que faci una còpia del material gravat. És preferible un nou, ja que normalment l'enginyer de gravació vol utilitzar un nou o formatar un vell. La raó és simple: els equips de treball que s'utilitzen en els estudis, tot i que són enormement potents i complexos, no tenen programes antivirus, ja que creen problemes importants amb les secuències d'àudio DAW. Així que no us molesteu si l'enginyer no utilitza un disc dur antic fins que el formateu. Recargar una estació de treball des de zero i provar-la pot trigar moltes setmanes, així que ningú s'arrisca.

Finalment...

Agafeu un quadern i un llapis i anoteu les coses que heu de recordar en el futur. Teniu les contrasenyes de Fast Fret i així successivament, en cas que vulgueu publicar alguns fragments del que heu gravat, podeu demanar a l'estudi que ho faci immediatament. Teniu una càmera, feu fotografies, posteu-les... Això ajuda a mantenir l'entusiasme dels fans.
Preparats específics: Batons

La clau d'un groove atractiu en una cançó és un conjunt de bateria que sona bé i, sobretot, el mateix bateria. Recordeu que en algunes de les cançons de Led Zeppelin, John Bonham va ser gravat amb tres micròfons. I quin soroll! No importa com de bo sigui l'equipament de l'estudi, si els tambors sonaven malament, no es podia fer gran cosa per millorar-los.

Assegureu-vos que teniu un nou conjunt de cares de tambor, tant la de dalt com la de baix. Ajusteu-los un dia abans de la sessió de gravació; una vegada que estigueu en l'estudi, probablement sonaran diferents, però us costarà menys temps ajustar-los. La veritat és que tants bateriaires no saben ajustar bé els seus tambors! Ajusteu-vos i escolteu atentament, així ho aconseguireu! Atenció a la col·locació de les cares dels tambors! El tipus de música també influeix en l'acord: per al jazz, el tambor fort és més aviat acordat cap amunt, no embolicat o només una mica. Per a l'hip-hop es recomana una afinació baixa, per tal d'aconseguir el "boom"! Consulteu la xarxa on podeu trobar molts consells i consells per a l'ajust de la bateria.

Comprovar si hi ha gronxaments i roncs i corregir qualsevol soroll no desitjat. L'enginyer us ajudarà a controlar el so amb tampons de gel i anells, si és necessari, fins que s'aconsegueixi el so desitjat. Si t'agrada colpejar fortament les xemeneles, considera repetir-les abans d'entrar a l'estudi i intenta colpejar-les suaument; això ajuda molt a aconseguir un bon so general a través dels micròfons per sobre. La coherència en el to de la bateria i en el lloc on la toques ajuda molt a obtenir un bon so. No us oblideu d'aportar pals de reserva.

I la meva experiència m'ha ensenyat que sovint el bateria és un gran músic, però no sona molt bé, i això passa quan acostumen a escoltar la música d'un altre i no escolten el seu ritme interior. Si el bateria empeny i empeny una mica, no és necessàriament gran cosa, sempre que hi hagi el groove natural. Us recomanem que repeteixis almenys amb una pista de clic i que l'utilitzeu durant la gravació només si us sentiu còmodes amb ella.
Formació específica: Guitarra baixa

Tantes guitarres basses que bufen i tenen un soroll de fons!!! Intentem resoldre aquest problema abans d'entrar a l'estudi, perquè d'una altra manera pot trigar molt de temps a resoldre'l, i el temps costa diners. Comprovar l'acció i reduir el buit de les tecles. El zumbid i el zumbid són un problema important; una vegada que s'enregistren, no es pot fer gran cosa sobre ells. Revisa els potenciòmetres i l'electrònica i, si utilitzes algun efecte, assegura't que coneixes els presets.

La forma més habitual de gravar el baix és a través de caixes DI dedicades al baix - Avalon, Alpha DI JT Amplification i Aguilar són les millors, però hi ha altres, més barates però amb un so decent. No és estrany reamplificar un so de baix a la mescla, per això cal tenir un so sense zumbits i zumbits.

El baix i la bateria haurien de ser junts, ja que són la base de les cançons; el baix té un paper major tant en el ritme com com en el suport principal per a la veu/melodia. És una bona idea que tant el bateria com el baixista practiquin amb un metrònom. De fet, tots els músics de la classe tenen una cosa en comú: el sentit de la sincronització. El temps és una responsabilitat compartida entre el bateria i el baixista.
Preparats específics: guitarra

Posa cordes noves i roda-les; també, sempre tingui un conjunt de reserva - com a consell, tingui cercles de pi i neteja les cordes amb ells o un tros de microfibra; una altra solució és comprar un raspall Fast Fret i utilitzar-lo després de cantar, després esborrar les cordes i el coll amb una tovallola 100% cotó o microfibra. Utilitzeu desinfectants per a les mans, que mantenen les mans i els dits secs. Comprova tots els potencialòmetres i els electrònics. Coneixeu bé la configuració de l'amplificador.

Si l'amplificador ha de tenir el volum a 10 per al so desitjat, consideri una placa d'atenuació THD o un Marshall Power Breaker (aquests li permeten reduir el volum mentre els tubs de sortida estan funcionant a màxima intensitat). Us recomanem moltíssim l'ús d'aquests dispositius, perquè també us permeten tenir un to molt bo amb l'amplificador a nivells més baixos, cosa que pot ser un gran avantatge en concerts. Et puc dir que els enginyers en els concerts en directe o en els clubs estaran encantats d'ajudar-te a aconseguir un bon so.

Un gran secret és aquest: un amplificador petit, com un amplificador de 5 a 7 watts, sona molt bé en una habitació petita. És interessant que una paret de Marshalls de màxim volum sona molt malament en un espai petit; no obstant això, un amplificador petit de màxim volum en un espai petit sona com una paret de Marshalls. Moltes de les gravacions d'Eric Clapton es van fer amb un amplificador Fender de 5 watts en petites cabines de gravació i el so és genial.

Si tens un Kemper o un Fractal Triaxe segur que tindràs un so decent, però val la pena gravar-lo amb un amplificador de boxa. I encara millor si teniu un Neural DSP Quad Cortex (o si l'estudi ho té; sona increïble, la resposta en dinàmica és molt per sobre de Triaxe o Kemper)!

Si ets un perfeccionista, prova a gravar una línia de guitarra diverses vegades, utilitzant diferents amplificadors i cabines, i després comparar-les. Escolteu a través dels monitors de l'estudi i, com a regla general, no utilitzeu molta distorsió. Demasiada i sona de boig i estúpid. No exageris i no utilitzis tot el que tens a l'estudi només perquè pots, utilitza només el que fa sentit.

Prepara el so abans, guarda els presets en els teus efectes, però mira què et pot oferir l'estudi, potser trobaràs millors alternatives. Utilitzeu bons cables i comproveu les vostres caixes d'efectes per al soroll; comproveu l'acció i ajusteu per evitar el buit de la càrrega. Sempre instal·li bateries noves en els stomp boxes de pre-sessió o en els preamplificadors de guitarra si tenen hardware actiu o preamplificador piezo per a les guitarres acústiques (les guitarres acústiques sona millor quan s'enregistren per micro, però la gravació del seu sensor/piezo no es descomposa).

Comprovar l'ajust, si és possible, després de cada doble. La guitarra es desafina després d'un sol to. També, no oblideu relaxar-vos; l'excessiva apretada dels acords pot conduir a diferències de to d'alguns acords.
Preparats específics: claves i sintetitzadors

Guardar totes les configuracions perquè es puguin revocar fàcilment. Com a regla general, assegureu-vos de portar tots els accessoris, inclosos els manuals. De vegades si has de desactivar un efecte (com ara la reverberació) perquè pot crear problemes de mescla, i és en aquest moment que el manual es fa molt útil.

Pel que fa al so, no hi ha res de predeterminat; tot i que cal tenir els sons preparats, experimentar pot donar un so molt particular i bonic. Passar el teclat per un amplificador diferent pot donar lloc a alguna cosa que encaixa molt bé amb la cançó, i no voleu perdre l'oportunitat.

No us apresseu a gravar; millor tard que d'hora, tard fa groove, d'hora sona com si estiguéssiu fora de temps.

Per a algunes cançons, la preproducció és obligatòria. Independentment del DAW utilitzat durant la preproducció, els fitxers es poden descarregar a l'ordinador i després es poden utilitzar els mòduls propis o els de l'estudi. És una bona idea portar els fitxers midi amb tu i provar alguns dels mòduls de so que ofereix l'estudi, especialment si els teus mòduls de so no són dels millors. Si l'estudi té unitats com Moog, Prophet, Korg, Oberheim, ARP, Waldorf, Access, Nord Lead, Kurzveil, Yamaha, potser val la pena experimentar.

Afegeix instruments reals a una peça creada en seqüenciadors -percussió, cines, bateria, baixos o guitarra. La millor solució és contractar a un músic d'estudi per a posar-hi les pistes. Això és molt útil per aconseguir una peça que no sembli feta en ordinadors o màquines de ritme.
Preparació específica: solistes vocal!

No donis el volum a les caixes quan toques perquè això pot afectar la altura de les notes. Escolteu sempre els enregistraments per veure si heu cantat en la gamma o no. Demana a l'enginyer que et doni una mica de reverberació en els auriculars, ja que et pot ajudar si això et fa sentir més còmode, però no exageris, ja que pot afectar la altura de les notes i la entonació.

Feu pauses quan graveu. Gravar 6 cançons i 8 dobles per cada cançó és una cosa difícil de fer. Cal tenir-ho en compte quan planifiqui la gravació.

Comencem cada doble com si fos el millor, però si alguna cosa no va bé, ralentizem i relaxam-nos; si no, ens quedarem sense energia. Tot i que composis la veu finalà de diferents dobles, és millor fer-ho d'un nombre menor de dobles, així que pren-ho amb calma.

Finalment, suggereixo que porteu la vostra càmera o el vostre telèfon i useu-los. Segur que us agradarà més tard quan veieu la pel·lícula, i serà la prova del vostre treball. Fes fotografies; pots publicar-les a les pàgines d'Instagram, X, Facebook o MySpace i pots mantenir els teus fans informats i entusiasmats amb el progrés de la feina. Qui sap, 20 anys després, les pel·lícules i les fotografies poden formar part de la història de la música.
Înregistrarea DIY - fācuta de tine…

No hi ha res dolent amb l'enregistrament personal de DIY, i la bona notícia és que es pot fer. Amb la tecnologia actual no és massa complicat; tot i així, no esperes obtenir els mateixos resultats que en un estudi de gravació adequat. Cal molta experiència, un espai acústic adequat i bons equips per obtenir resultats professionals. Es poden obtenir resultats decents amb poc esforç econòmic i molta dedicació i passió, i això pot ajudar a reduir el cost de la matrícula.
Consells pràctics per a l'enregistrament de DIY

La gravació de DIY és una realitat...

La gravació DIY és una realitat, i cada vegada més gent ho fa! És increïble com la tecnologia ens toca la vida, planteja reptes i fa que les coses que eren impossibles fa una dècada o dues siguin una realitat. Cada vegada més músics comencen a gravar per si mateixos, atraïts per campanyes de màrqueting com "Studio in a box!" i el baix preu de la tecnologia. Hi ha gent que compra una estació de treball multifuncional com un Korg, un Boss o un Roland, compra un micròfon, llegeix els manuals, fa la gravació i després la mescla (ques caixes són increïbles, oi? tones de pistes virtuals, tenen tots els efectes i els equilibradors) i després s'estreneixen a descobrir que el seu producte està molt lluny de ser un producte comercialment acceptable! Us sona familiar?

Intentar estalviar diners té sentit, i tothom ho fa, però cal fer-ho amb intel·ligència. Dono aquests consells perquè he tingut molts clients que s'enregistraven per si mateixos i després venien i em demanaven que els fes la mescla. Molts d'ells pensaven que es resoldrien tots els problemes amb la mescla, però això no és cert. Fer-ho sol és una opció viable, sempre que ho facis bé i estiguis disposat a aprendre una mica sobre el registre. També hi ha limitacions d'aquest procés: pots obtenir un producte decent que pots vendre en concerts o presentar a Internet, però no pot competir adequadament amb un llançament comercial major.

El que has de saber...

Des del principi, tothom ha d'entendre que l'enregistrament i la mescla requereixen un conjunt completament diferent de coneixements i experiència. Es necessita experiència, punt! La mescla és un procés molt complex i no es pot fer correctament amb una caixa de 1.000 euros i un set de cascos barats. Un sol EQ de gamma alta podria costar molt més de 600 euros, i un EQ analògic de gran qualitat al voltant de 4.000 a 7.000 euros, així que podeu entendre per què aquestes caixes digitals són limitades. La cambra de mescles és molt més important del que sembla, i comença amb bons monitors i un espai controlat acústicament, com ja hem parlat. Si decideixes que vols seguir aquest camí, et recomanaria fer la teva gravació i fer la mixació i masterització en un estudi adequat.

Primera regla: gravar a 24 bits, punt! Obtenir un multitrack que enregistre a 24 bits (pot comprar o llogar un). Una altra solució, encara que més cara, és un ordinador on has de comprar una bona interfície d'àudio i un seqüenciador. I aquest camí pot ser molt gratificant perquè pots utilitzar mostres i instruments virtuals i pots arribar a arranjaments bastant complexos per tu mateix.

Una bona i relativament completa solució és un MacBook Pro carregat amb Logic i amb una interfície Apogee Duet (o un UAD Apollo). Logic és un bon DAW i ve amb una biblioteca i bons instruments virtuals. Utilitzeu un bon parell d'auriculars quan grabeu. Un gran avantatge és que els Macs són més fàcils de manejar que els ordinadors basats en Windows, i si no ets un entusiasta de la informàtica, podràs treballar amb un Mac en poc temps. Per al propòsit d'un simple registre de qualitat decent, aquesta és una solució molt elegant.

No compreu un micròfon barat, sinó que prefereu llogar un o un parell de micròfon de qualitat. Optar per un bon condensador, com l'AKG 414, que té tres patrons, i és un excel·lent micròfon universal (per a veu, guitarra acústica i altres), i un micròfon dinàmic com el MD 421 Senheiser per a amplificadors de guitarra/percussió o un SM57. L'AKG 414 és un micròfon estàndard de l'estudi, no pots equivocar-te amb ell. També lloguis un o dos preamplificadors de micròfon (Neve, Chandler, Focusrite Red, Avalon, API) o un canal strip - prova amb un Pendulum Quartet, un Shelford, Focusrite Red, un Millenia STT1 o un Avalon.

Passeu-ho tot a través dels preamplificadors i assegureu-vos que no entreu en clipping, és a dir, que no passi de zero dB. Repeteixo, eviteu el clipping! Mantinguin els punts a -6dB! Quan estàs gravant a 24 bits, està bé gravar a un nivell més baix que arriscar-te a estar prop de zero i tenir problemes.

Escolteu tot després de la gravació!!!

Fes una mica de recerca (Internet és suficient en aquests moments - youtube és el teu amic) sobre les tècniques d'enregistrament, sobre com funcionen els micròfons i com utilitzar-los, sobre els seus patrons i com posicionar-los quan enregistres. Prova i experimenta primer, no t'acontentes amb la primera gravació. Toquen el mateix, utilitzen diferents escenaris de posicionament i comparen. Escoltaràs les diferències! Molta gent fa servir màquines de ritme; sincronitza-les amb el DAW i passa les bateries separades (kick, premier, tomes) una a una a través dels preamplificadors i grava'ls en pistes mono separades. Si porta el seu projecte a un estudi per a mesclar-lo, és una bona idea tenir les bateries en pistes separades (kick, premier) i, eventualment, els overheads poden ser en una pista estèreo. Si realitzeu les pistes de bateria amb samples, utilitzeu Addictive Drums, Superior Drummer, BFD o el programa de bateria de la seqüència utilitzada, exporteu-les també separat ⁇ com a pistes mono. Aquests paquets de programari solen tenir també EQ, compressió i reverberació, però us aconsello que exporteu les pistes sense utilitzar cap dels equips/compressors/efectes. Mireu els vúmetres de DAW, amb precaució, perquè no us expliquen tota la història, especialment quan es tracta de la percussió, i és molt fàcil passar de 0 dB sense saber-ho. Presta especial atenció als batedors, cines i instruments similars. Assegureu-vos de no superar -10 dB per a aquests tipus d'instruments de percussió.

Gravat finalment...

Per enregistrar veus i instruments acústics, cerca un lloc tranquil a casa teva i selecciona la cambra més gran. Quan gravis la veu, assegura't que la reverberació és prou baixa. Posa unes cobertes al voltant per reduir les reflexes precoces i, si necessites, per amortizar el so. No obstant això, us aconsello que graveu les vostres veus en un estudi de gravació; les veus són massa importants, i una cadena de gravació vocal adequada és bastant cara! Si, però, decideixes gravar la teva veu, evita fer-ho en banys o en habitacions petites (te suggereixo que més aviat provis amb un amplificador de guitarra elèctrica allà, per divertir-te!) Les reverberacions naturals són desitjables si són excel·lents; si no, si no són tan excel·lents, una vegada impreses a la cinta no les pots treure i sonaven malament. Col·loqueu mantes al voltant de les parets de la cambra per controlar la reverberació. I encara que la reverberació sigui excel·lent, potser vius en una mansió enorme, ha de ser compatible amb l'estil de música que facis, així que també has de tenir en compte aquest aspecte.

La inscripció per a alguns petits projectes podria ser molt satisfactòria. Experimentar i experimentar. Però, com a regla general, quan es tracta del so dels instruments, intenten capturar el senyal el més net possible. Hi ha dues escoles de pensament: una (l'americana) és registrar net i l'altra (l'britànica/europea) és imprimir amb efectes. Com que no tenim experiència en el procés de mescla, si voleu imprimir amb efectes, espero que sàpiguen exactament el que fan, perquè un cop gravat, l'efecte no es pot anul·lar, i és més segur imprimir net. Si els efectes són part del teu so -especialment per a les guitarres elèctriques- utilitza-los tots, excepte la reverberació, si és possible. No tingueu por d'experimentar, no costa res, és divertit i podeu obtenir resultats espectaculars. I al final, pots fer més dobles i triar més tard a la barreja.

Després de la gravació, escolteu atentament cada pista per separat, i després escolteu-les juntes. Hi ha algun recort? Hi ha problemes de distorsió? Hi ha algun soroll excessiu? La veu és neta? Pots entendre les paraules amb facilitat? Escolteu alguna música del tipus que feu. No tingueu por de comparar.

Algunes persones graven tot ells mateixos, excepte la veu, i van a un estudi per gravar la veu. Aquesta és una idea molt intel·ligent; res supera una combinació de micròfon/preamplificador/compresor d'alta gamma i un espai controlat acústicament. I això a més de poder escoltar la teva veu a través d'alguns monitors rellevants i rebre consells de l'enginyer si necessites tornar a fer alguna part, fer algun punch-in, o què es pot afegir, editar i corregir a la mescla i què no. Així mateix, no cal preocupar-se per encendre/aturar la gravació, per trobar els punts per a la punxada, el que ajuda a mantenir el seu focus en el cant i en la pròpia actuació.
Què cal tenir en compte quan escollim un estudi?

Aquesta és una excel·lent pregunta! Cal fer una mica de treball per arribar a la resposta correcta, però al final, estaràs content de l'haver fet.

Coneixeu exactament l'objectiu del vostre producte final!

No té cap sentit gastar una fortuna en un estudi major per a una demo que necessites per promocionar, per a un CD que vols vendre als concerts o a Internet. Òbviament, quan tens un contracte amb una discogràfica major, faràs la teva feina en grans centres de gravació i enregistrament, això és el que esperen les discogràfiques majors i, per descomptat, paguen per això.

Per a la majoria dels projectes, un estudi professional mitjà o petit és la millor opció. Això no vol dir que es pot fer compromisos quan es tracta de qualitat! Avui dia, gràcies als avenços tecnològics, la qualitat que pots obtenir en un estudi de mida mitjana o petita està al mateix nivell que en un estudi major. El que falten als estudis petits i mitjans són les grans sales de gravació amb un so extraordinari -algunes d'elles són famoses, com les sales de gravació de Capitol Recording a L.A. o els Air Studios de Londres- i la gent que hi treballa, que són, en general, els millors professionals del sector. Però aquests estudis cobren tarifes elevades, probablement fora del teu pressupost, per les seves despeses generals.

A menys que estiguis a la cima de les llistes de música o tinguis molts diners, un estudi de mida mitjana o petita és la solució. No obstant això, tingueu en compte que un estudi de gravació professional de mida mitjana o petita no significa un ordinador portàtil o un ordinador a la cuina o dormitori amb les parets cobertes amb esponges o casetes d'ous!

Fixeu amb cura el pressupost de la gravació...

Divideu sempre el pressupost de producció: de la quantitat total de diners, penseu sempre que al voltant de la meitat és necessària per a la mescla i masterització. La resta és per a les classes d'estudi. La gravació sempre dura més del que s'espera, i mirar el rellotge en lloc de centrar-se en la música pot tenir resultats desastrosos. No us afanyeu ni precipiteu el procés d'inscripció. Torneu a fer algunes pistes i retardeu la mescla si és necessari. Et alegraràs d'haver-ho fet.

El pressupost, és a dir, els diners, serà probablement el primer criteri. No és el criteri més important, però siguem sinceros, aquesta és la realitat... almenys fins que arribi al cim... d'una altra manera no hauríeu llegit aquest article! Així que busqueu un estudi que encaixeixi en el vostre pressupost. Pregunta a la gent al teu voltant. Escolta els consells. Internet és una font excel·lent, però cal utilitzar-la amb intel·ligència; com en qualsevol altre tema de negoci, cal saber llegir entre línies.

Sovint veig una pàgina web molt ben dissenyada i atractiva, que parla de l'última meravella tecnològica que té l'estudi, com si aquesta fos la clau per oferir el Sant Graal de la reproducció del so! Bé, no és així, però molts artistes no ho saben, i quan ho descobreixen és massa tard... el tren ja ha sortit de l'estació! Hi ha aquest element humà d'agradar o no a alguna cosa quan la veus per primera vegada; no actuis de manera impulsiva i fes els teus deures!

Coses a veure quan revises un estudi...

Recordeu que un bon lloc web és només una eina de màrqueting per cridar l'atenció, però no és una garantia d'un millor so. Per tant, presta atenció a les mostres de so (i, a menys que sigui un estudi famós, evita les que no posen mostres al seu lloc web) i, des de l'inici, tindràs una idea bastant bona de la qualitat de l'enregistrament que ofereix l'estudi. Observeu el tipus de cançons; una veu sobre un ritme (beat) - els ritmes sonaven bé, però es feien amb sintetitzadors (software i hardware) o es van comprar i no us donen una idea real de la capacitat de gravació real del so. Si l'estudi té exemples d'una banda (jazz/rock/funk/...) o de peces de música, en què s'hagin gravat instruments acústics, això diu molt de la capacitat de l'estudi (tanto d'enregistrament com de mescla).

Comprovar les fotografies (si es disposa d'elles) - donen bones indicacions sobre l'espai de registre. És només una habitació o és una habitació tractada acústicament? La llista d'equips indica el nivell de qualitat que es pot aconseguir si l'enginyer és bo.

Sigues organitzat a l'hora de recollir informació sobre els estudis de gravació.

Preneu notes per poder comparar-les més endavant. Es poden establir alguns criteris (com ara el preu, la distància, l'enginyer, l'equip, l'acústica, el so, l'espai, fins i tot els teus instints). Les notes són la millor manera de mantenir un registre del que has après. Si no, oblidareu detalls importants.

Assegureu-vos que sabeu quina qualitat busqueu.

Els dies de les demos simples de veu i guitarra ja són molt lluny. Phil Ramone ho va dir millor en una entrevista amb Howard Massey:

"La qualitat d'una demo és tan important avui en dia - no pots anar enlloc amb una demo de piano/vocals o guitarra/vocals. No pots fer això!"

El model de negoci de la música ha canviat molt en les últimes dècades. La manera com es comercialitza i distribueix la música ha canviat dramàticament. La manera de promoure's a si mateix i a la seva música també ha canviat. Si aspires a ser signat per les grans discogràfiques, has d'arribar-hi o generar un gran buzz. No crec que hi hagi massa persones d'A&R avui en dia que puguin imaginar per si mateixos com pot ser una cançó amb un arranjament adequat. I fins i tot si poden, no volen assumir responsabilitats que els poden costar la feina! Esperen un producte que, si no està preparat per a la distribució, està molt a prop. És possible que tinguis un advocat especialitzat en la indústria de la música que tingui connexions; creus que donarà la teva demo a les seves connexions si no sona bé? No ho crec!

Si el teu objectiu és promoure i vendre la teva música i construir la teva pròpia marca (per mitjà de vendes, publicitat, concerts, ràdio/TV) sense signar amb cap de les grans discogràfiques, la bona notícia és que això és molt possible avui. Molts músics ho fan, i Internet hi té un paper important. Subratllo una altra dada:

Internet juga un paper important en la promoció de la teva marca!

La teva música ha de sonar bé en tots els formats populars que es promocionen a Internet. Això planteja reptes des del punt de vista de l'enregistrament i la mescla, i depèn de tu assegurar-te que l'estudi que tries sap tot sobre això.

Una vegada que tinguis una llista de diversos estudis, organitza unes reunions, surt i comprova els estudis per obtenir una sensació i una impressió directa del que s'ofereix. Consulteu el següent capítol - consells per a la selecció d'un estudi...
Consells per a triar un estudi de gravació...

Intentar trobar un estudi no molt lluny de casa teva - conduir dos-cents quilòmetres cada dia abans d'enregistrar no ajuda a la teva performance ni al teu cost. Moltes vegades has de tornar per un remix o per postproducció. També intenta buscar estudis fora de les zones centrals, el pàrquing no és barat... Fixeu-vos una cita amb uns quants estudis que s'ajustin als vostres criteris de pressupost i aneu a buscar-los.

Si l'estudi és lluny, assegureu-vos que podeu tenir un allotjament decent. Aquesta és una opció molt interessant; si l'estudi està en una zona bonica, es converteix en un factor d'inspiració i estimula la creativitat i l'entusiasme. Un gran avantatge és que estar lluny de casa t'ajudarà a relaxar-te, estar lluny de les obligacions diàries, i pots tenir una millor concentració, especialment si l'enregistrament dura uns dies. Combinar el plaer amb l'ús: part vacances, part treball creatiu!

T'agrada el que veus i escoltes? Té l'estudi un ambient agradable i creatiu? Això és molt més important del que creieu. Sentir-se còmode i confiat a l'estudi és extremadament important. Evitar els estudis de cuina o les càmeres amb cables per tot arreu, no esperis una via d'àudio neta i sense soroll. En definitiva, si el teu producte és boig, probablement el teu producte sona igual. Comprova l'acústica pel teu estil de música. Si t'interessen les sessions d'orquestra a gran escala, un gran estudi és el que busques. Però per al pop, el rock, el folk, el jazz, l'R&B, el hip hop, una càmera més petita serà perfecta. Veieu com us sentiu tant a la sala de gravació com a la de control; el bon disseny acústic i estètic fa molt per aconseguir un excel·lent producte final.

Parlant d'espai per a la gravació, penseu en el nivell d'aïllament que necessiteu si sou una banda. En alguns casos, les fuites de micròfon són molt acceptables (especialment per als instrumentistes de jazz que graven junts); mentre que en altres casos és millor la possibilitat d'aïllar els instruments. Per a la majoria de projectes com el pop, el rock, l'aïllament és generalment necessari, així que comproveu si l'estudi ofereix suficients possibilitats per a aconseguir-ho (caixa vocal, càmeres en viu, espai, etc.).

Teniu alguns CDs que coneixeu molt bé. Demaneu-li a l'enginyer que els instal·li i escolteu des de la posició de mescla de la cadira d'enginyer. Cal escoltar amb claredat cada detall, juntament amb la posició de cada instrument. Demaneu a l'enginyer que us deixeixi asseure's a la seva cadira i que canvieu els monitors d'estèreo a mono, i en aquest moment el so ha de moure's just davant del vostre nas, com si poguéssiu tocar-lo. Si això no passa, la càmera té una mala acústica i no hi ha cap manera d'aconseguir una bona mescla! L'acústica de l'estudi i la resposta de la càmera són molt importants per a la mixatge i masterització!

Escolteu només a la normalitat o baixar, no a l'altitud!

El volum amassa les imperfeccions. Tot ha de ser audible a un nivell raonable.

Si l'estudi té més d'un parell de monitors, de manera que l'enginyer pot canviar instantàniament per comprovar les mescles, és un avantatge. A més dels monitors principals, els altres monitors haurien d'ajudar-vos a tenir una idea de com un mixatge o un master es trasllada al món real. Un parell de petits Auratones pot donar-te una idea bastant bona de com sona una cançó a les televisions (en general, en aquestes la freqüència baixa gradualment de 200 Hz a baix i baixa bruscament a 100 Hz o a més de 11-14 KHz). Un conjunt de parlants d'ordinador, un conjunt de monitors d'audiòfil i una boombox ajudarien a prendre decisions.

Busca un estudi que inclogui un enginyer en la tarifa. L'enginyer de l'estudi coneix bé l'acústica de l'estudi. Sí, pots contractar un enginyer independent, però generalment no val la pena. L'enginyer d'estudi està familiaritzat amb l'equip i resoldrà els problemes de la manera més eficient possible, ja que sap fer-ho a l'estudi. Deixeu-li escoltar les mostres de so que teniu (mostres alineades amb el vostre estil musical) i parleu amb ell sobre com se sent còmode en aconseguir aquest tipus de so. No té sentit contractar un enginyer de so que no hagi treballat mai amb una banda de jazz si vols gravar jazz.

Durant la reunió, assegureu-vos de parlar amb l'enginyer que està fent la gravació. És un dels jugadors clau per a la sessió - l'equipament més impressionant sona tan bé com la capacitat de l'enginyer per utilitzar-lo. Pages per ell, així que assegura't que està atent, que està disposat a ajudar-te quan et trobes amb problemes i que fa el que vols. Eviteu treballar amb qui manifesta una superioritat mal entesa. Una personalitat coincident et portarà molt lluny!

Podeu o no tenir un productor. La producció d'una cançó no és fàcil, i tenir a algú que ha treballat amb moltes altres bandes vol dir que tens orelles objectives que jutgen el teu projecte i et donen suggeriments vàlids. És útil que l'enginyer de l'estudi també sigui productor; l'experiència que hagi acumulat amb altres bandes servirà només en benefici del teu projecte. Si tens un pressupost més estret, trobar un estudi operat per un productor és desitjable.

Si has fet algun treball de preproducció a casa (alguns temes), has d'informar a l'enginyer d'això, i ell et dirà com tenir les peces preparades quan vinguis a gravar-les, de manera que no perdis temps. No hi ha res pitjor que pagar diners a un enginyer per a que prengui el botó de conversió i et cobri mentre esperes per alguna cosa que podríes fer a casa mentre menges patates i mires la televisió!

Sempre busqueu un estudi que pugui allotjar un conjunt de bateries en cas de necessitat, de manera que no hagi de gravar les bateries en un altre estudi. I amb més càmeres en directe, és més fàcil gravar més instruments simultàniament (com ara bateria i percussió al mateix temps) i obtenir una millor interpretació.

Parlant d'instruments, comproveu si l'estudi té un piano, si és necessari. En els estudis petits i mitjans, l'espai és un problema i és possible que no trobis un piano de cua. No obstant això, l'estudi pot oferir algunes alternatives realment excel·lents en termes d'enregistrament, com el Roland V-piano o el Yamaha AvantGrand. Tenen un clavicle d'excel·lent acció (però és una qüestió de gust i costum) i un so molt bo per a la gravació. Aquests pianos són un gran pas per damunt dels pianos digitals habituals i indiquen que l'estudi es preocupa per la qualitat de l'equip i del so.

Durant la reunió, assegureu-vos de parlar amb l'enginyer que està fent la gravació. És un dels jugadors clau per a la sessió - l'equipament més impressionant sona tan bé com la capacitat de l'enginyer per utilitzar-lo. Pages per ell, així que assegura't que està atent, que està disposat a ajudar-te quan et trobes amb problemes i que fa el que vols. Eviteu treballar amb qui manifesta una superioritat mal entesa. Una personalitat coincident et portarà molt lluny!

Podeu o no tenir un productor. La producció d'una cançó no és fàcil, i tenir a algú que ha treballat amb moltes altres bandes vol dir que tens orelles objectives que jutgen el teu projecte i et donen suggeriments vàlids. És útil que l'enginyer de l'estudi també sigui productor; l'experiència que hagi acumulat amb altres bandes servirà només en benefici del teu projecte. Si tens un pressupost més estret, trobar un estudi operat per un productor és desitjable.

Si has fet algun treball de preproducció a casa (alguns temes), has d'informar a l'enginyer d'això, i ell et dirà com tenir les peces preparades quan vinguis a gravar-les, de manera que no perdis temps. No hi ha res pitjor que pagar diners a un enginyer per a que prengui el botó de conversió i et cobri mentre esperes per alguna cosa que podríes fer a casa mentre menges patates i mires la televisió!

Sempre busqueu un estudi que pugui allotjar un conjunt de bateries en cas de necessitat, de manera que no hagi de gravar les bateries en un altre estudi. I amb més càmeres en directe, és més fàcil gravar més instruments simultàniament (com ara bateria i percussió al mateix temps) i obtenir una millor interpretació.

Parlant d'instruments, comproveu si l'estudi té un piano, si és necessari. En els estudis petits i mitjans, l'espai és un problema i és possible que no trobis un piano de cua. No obstant això, l'estudi pot oferir algunes alternatives realment excel·lents en termes d'enregistrament, com el Roland V-piano o el Yamaha AvantGrand. Tenen un clavicle d'excel·lent acció (però és una qüestió de gust i costum) i un so molt bo per a la gravació. Aquests pianos són un gran pas per damunt dels pianos digitals habituals i indiquen que l'estudi es preocupa per la qualitat de l'equip i del so.

Preneu nota dels altres instruments - guitarres, baixos, amplificadors, efectes - que l'estudi té a la seva disposició. Potser necessiteu gravar una cançó d'un color diferent, afegir una guitarra acústica o dublar algunes parts de guitarra i voleu tenir disponibles alternatives d'exploradors. No vas a un estudi per a compondre una cançó allà, però una mica d'experimentació, amb instruments amb sons diferents als que estàs acostumat, pot afegir un to interessant que aporta alguna cosa més a la cançó.

El més important amb el que tots els productors famosos, com Ramone, Kramer, Visconti, Cherney, Brauer, Valentine, Afanasieff, Johns, Parsons, etc., estan d'acord és aconseguir "PERFORMANCE!". I una gran actuació es pot aconseguir, en general, només quan tots els membres de la banda canten junts, alimentant-se els uns als altres amb la seva energia, fins i tot si algunes de les peces es superposen posteriorment o només es graven la bateria i el baix. Un estudi que pugui gravar com a mínim 12 pistes simultànies és el que necessites si vols que tothom toqui al mateix temps.

Tinguin en compte el sistema de monitoratge durant la gravació!!! Vols un multi-col, amb casquets, de manera que cada músic pugui practicament tenir la seva pròpia mescla, poder controlar el seu propi volum i sentir-se còmode. És una cosa humana estranya, però cada jugador vol sentir-se més fort en els auriculars! Un sistema multi-cue permet això, permetent als músics sentir-se més còmodes i oferir un millor rendiment.

Una vegada que hagis acabat de visitar els estudis, és hora de restringir la llista. És possible que ja tingueu una resposta, però de vegades es redueix a dues o tres opcions. Totes aquestes opcions poden funcionar, però ara és el moment de vincular la naturalesa del vostre projecte amb les possibilitats tècniques de l'estudi. Alguns estudios només tenen la tecnologia d'última generació, altres tenen un equipament valuós d'època que dóna un color especial al teu so. Un acte típic de rock & roll sona diferent del R&B, i els instruments utilitzats tenen molt a veure amb això. Així doncs, anem a fer un cop d'ull a les múltiples facetes de l'equipament que s'utilitza en un estudi de gravació.
Com és important l'equipament de l'estudi...

La resposta curta és aquesta: és molt important. Punt.

Molts estudis publiquen en els seus llocs webs: "Evitin les llistes llargues d'equips!" com si sabessin que aquesta és la recepta per a un mal disc. De vegades pot ser cert, però molt rarament, això s'hauria de dir exactament així: "Evitin les llistes llargues d'equips dolents i barats!" El que aquests estudis no us expliquen és la importància de la qualitat dels micròfons, dels preamplificadors, dels equilibradors i dels compressors.

I és bo saber que l'experiència de l'enginyer és molt important, però si demanes un micròfon d'alta gamma per a la veu o la guitarra acústica que saps que forma part del teu so i et diuen que l'estudi ha de llogar un, has d'assumir que l'enginyer no té l'experiència adequada per aconseguir el so que vols, perquè no treballa amb equips de qualitat de manera regular, així que no sap què es pot aconseguir amb ells.

Una resposta habitual quan es pregunta si l'estudi té micròfons i preamplificadors de micròfon d'alta gamma és que l'estudi obté un so fantàstic amb una marca desconeguda perquè sap molt bé com utilitzar-la. Tot i que això pot ser cert (jo no ho he vist mai!), un estudi de qualitat ha de ser capaç d'oferir-te algunes opcions que pots provar i veure quines d'elles et donen els millors resultats. I per opcions -especialment per a la veu- em refereixo a grans condensadors de tubs amb els logos Neumann, AKG, Soundelux, Lawson, Brauner, Telefunken, Gefell o Manley!

Cal entendre que el rendiment d'un sol preamplificador de micròfon que val el doble o el triple del preu d'un mixer Mackie o Soundcraft de 16 canals és incomparable amb el Mackie! Molts enginyers utilitzen un compressor quan graven veus, però cap compressor s'acosta al TubeTech CL-1B o al LA-2A per gravar veus!

El millor enginyer amb el millor equipament per al preu que et pots permetre - això ha de ser el que busques!

Com ja he subratllat, la interpretació és l'element més important en el procés de gravació. La qualitat del so prové sobretot de la capacitat del músic per interpretar la seva part. L'equipament no ho substituirà mai. Però un equip de bona qualitat capta el so adequadament i proporciona a l'enginyer la matèria prima adequada per a una mescla i masterització. En altres paraules, una mala interpretació o una interpretació mal captada només pot ser emmascarada fins a un cert punt en el procés de mescla/masterificació. Prepara't per a un bon son des del principi, en comptes de confiar en trucs posteriors.

Sempre busqueu equips de qualitat boutique i d'alta gamma. Les coses més importants són els micròfons (busqueu noms com Neumann, Telefunken, AKG, AEA, Lawson, Royer, Soundelux, Earthworks, Brauner, Sanken, DPA, Schoepps, Geffel), els preamplificadors de micròfon i els equalitzadors (com Martech, Neve, Millenia, Pultec, Retro, Massenburg, Great River, Pendulum Audio, SSL, Chandler, Focusrite Red, API, Vintech, Tree Audio, etc.), i els compresors (Thermionic, Elysia, Tube Tech CL-1B, LA-2A, Portico NeveP, Avalon, Retro, 1176, Distressor, MB Cranesong, Manley, SSL, Shadow Hill API, etc.).

Fes els teus estudis i nota el que t'ofereix l'estudi - micròfons, preamplificadors, equalitzadors i compressors - i després fes una mica de recerca a Internet, hi ha molts fòrums amb molta informació, com www.gearspace.com (on grans llegendes de la gravació, la mescla i la màster com George Massenburg i Bob Katz són moderadors).

Per a un solista, un micròfon de bona qualitat podria ser suficient. Però per a una banda, cal tenir accés a diferents tipus de micròfons, perquè si ho superposem tot, fins i tot amb un micròfon de qualitat, el producte final sonarà pla. Un estudi de qualitat ha de tenir una bona col·lecció de micròfons, perquè cada estil de música i cada instrument requereix un so diferent i no hi ha un micròfon que s'adapti a tothom.

Si voleu gravar un piano de concert, un parell de micròfons omni - Earthworks o DPA - i un condensador de tubs premium són la solució adequada, especialment per a la música clàssica i el jazz. Per descomptat, dos Rodes o AT farà la seva feina, però sentiràs la diferència! Per a saxofons i trompetes res supera un bon micròfon de cinta (OK, excepte U67 i M49 Neumann...) Micròfons com Royer R121, Coles 4038, AKG 414 i 112D, Neumann KM84, Shure SM7, SM 57, SM 58, Electro-Voice RE-20 i MD 421 Sennheiser són excel·lents per a la bateria, la percussió, el baix i la guitarra. Mentre que el més important per obtenir un producte de qualitat és la performance de l'artista, l'estudi ha de ser capaç de proporcionar les eines adequades per a capturar aquest so.

Pel que fa als preamplificadors, assegureu-vos que l'estudi tingui preamplificadors de primera qualitat, adequats per al estil de música que interpreteu. Si ets un músic clàssic, o per a instruments acústics, un preamplificador transparent com Millenia o Earthworks és desitjable; per a rock, jazz i R&B, preamplificadors com Neve, Tree Audio, Chandler, Focusrite Red, Martech, API, Pendulum Audio, Great River, SSL, Fearn, Vintech, Avalon són excel·lents opcions. Hi ha una raó per la qual el preamplificador Millennia s'utilitza gairebé exclusivament a tot el món per a música clàssica/càmera/coral, on "clear" i "headroom ⁇ no distorsionat" són el nom del joc.

Per descomptat, els bons preamplificadors no són barats. Costen milers d'euros! A la recerca de l'estudi, se us dirà que els preamplificadors Presonus, ART, Mackie i Behringer són molt bons. La realitat és que no ho són! No són dolentes, faran la seva feina, però no es pot comparar un preamplificador de 2000 € per canal amb un preamplificador o mixer de 800 € per 12 canals! Busqueu un estudi que tingui diversos preamplificadors per tal de poder aprofitar-los i obtenir els millors tons en diferents situacions de gravació! Les API, Focusrite Red, Neve o SSL són excel·lents per a la bateria; d'altra banda, quan es tracta de gravar o sonar un sintetitzador, un preamplificador de tubs com el Pendulum, Thermionic, Shadow Hills o Fearn és desitjable.

Podeu saltar aquest paràgraf, serà una mica tècnic, però us donarà una millor comprensió de per què un preamplificador de micròfon fa una bona feina. La majoria de la gent sap que s'ha d'evitar el clipping durant la gravació; el que no saben és que, molt abans del clipping, molts preamplificadors presenten un augment extrem de la distorsió a mesura que passen de funcionar en classe A a classe AB. Per tant, és molt important que hi hagi almenys 6 dB entre el pic de la música i el punt de clipping per evitar un defecte de so. La diferència entre el nivell mitjà de so i el punt de clipping es coneix com a headroom. Com més gran és el headroom, millor és el so! Els preamplificadors d'alta gamma tenen punts de tall de fins a 37 dBu (+55 volts), mentre que els equips semi-professionals i consumidors tenen entre 20 i 24. Simplement, per obtenir un bon so, els preamplificadors han de tenir sortides molt grans i fonts d'alimentació d'alta tensió, el que és molt car; no ho obtindràs amb 100 € per preamplificador de canal. Aquests preamplificadors barats són bons per a enginyers aficionats, però són d'evitar si estàs buscant qualitat! Els bons preamplificadors o EQ inclouen circuits d'alta qualitat i excel·lents transformadors, i quan hagis de mixar una cançó amb moltes pistes, ja ho saps!

Atenció a la cadena vocal - assegureu-vos que hi ha un excel·lent compresor vocal com el Tube Tech CL-1B o LA-2A, eventualment un Cranesong Trakker. Aquests fan una feina excel·lent sense comprometre la qualitat de la veu, i quan s'utilitzen correctament, no es pot dir que la veu ha estat comprimida - tenen una empremta màgica. Els excel·lents preamplificadors vocals són Martech MSS-10 (molt profund, excel·lent per a veus grans, estenses, amb headroom gegant, molt molts el consideren el Ferrari dels preamplificadors vocals), Neve 1073, API, Pendulum Audio, Pacifica, Telefunken V72, Hardy, Chandler, Tree Audio i Fearn. Pel que fa al micròfon vocal, vols poder triar d'una selecció de micròfons excel·lents per veure quin s'adapta millor a la teva veu i assegura't que t'ofereixen almenys un micròfon condensador de primera classe.

Pregunta sempre sobre la qualitat dels convertidors A/D i D/A. Si l'estudi utilitza banda de 2” , això no és rellevant, però hi ha molt pocs estudis que utilitzen banda.

Si el so està gravat en un ordinador, els convertidors són el primer que vols veure! Hi ha convertidors d'àudio com el Motu, el Lexicon Omega, el Digidesign Mbox-2 o l'Echo que ofereixen un so bo; però quan es tracta d'un so excel·lent, amb molt pocs defectes en el procés de conversió d'analògic a digital per a la gravació o de digital a analògic per a l'escoltar, busqueu convertidors de nivell de màster -Prism, Mytek, Lynx, Lavry, Antelope. Quan el nombre de pistes ⁇ pistes - és gran, s'entendrà molt clarament la diferència

Els convertidors de màster són molt més cars, però es justifiquen completament. Aquests convertidors ofereixen una major integritat del so i utilitzen una tecnologia molt sofisticada per reduir el jitter. En altres paraules, conserven gairebé totalment la qualitat del so durant la conversió digital o analògica.

Avui dia, gairebé totes les gravacions de qualitat inclouen l'ús de sistemes d'enregistrament i edició en disc dur com ProTools, Nuendo/Cubase o Sequoia. Pocs saben que, en un estudi basat en cinta, almenys el 20% del temps es passa esperant que les cintes es tornin a rodar després de cada entrada; això no és un problema en un sistema d'enregistrament d'accés aleatori com els esmentats anteriorment.

Certament, l'enregistrament en cinta té els seus avantatges; molta gent sent la calor del so de la cinta. De fet, aporten una certa distorsió que és agradable a l'oïda humana. Mentre que l'enregistrament digital a la resolució d'avui dia és molt precís, el so de les consoles de primera categoria amb el logotip Neve, SSL, API o Harrison és famós i es pot sentir en tots els grans llançaments de música pop/rock/jazz. Malauradament, són extremadament cars i només es poden trobar en grans estudis de milions de dòlars.

Els sistemes híbrids de mescla analògica/digital ofereixen un so personal i orgànic; això ha estat possible gràcies a les caixes de suma analògiques. Algunes d'elles tenen un so únic i bonic: Chandler (realitzat per EMI/Abbey Road), Inward Connection Mix690 (realitzat per Steve Firlotte amb els famosos amplificadors operatius 690 Jim Hall), Fat Bustard (realitzat per Thermionic), Great River MM20, Shadow Hills, Neve 8816, X-rack SSL. Tot i que són molt cares, són més accessibles que les consoles llegendàries, i hi ha estudis mitjans i petits que han començat a utilitzar-les.

Analitzeu bé els estudis que utilitzen aquest enfocament híbrid analògic-digital; aquestes caixes de sumari analògic demostren serietat i que l'estudi ha fet un esforç econòmic considerable per oferir un producte final de gran qualitat.

Com que alguns dels estudis mitjans i petits s'han aventurat en la barreja híbrida analògica/digital, comproveu quin hardware analògic utilitzen juntament amb els seus plugins: noms com Eventide, Bricasti, Lexicon, TC Electronics per a l'espai/reverb/delays; Elysia, Neve 33609, Cranesong, Thermionic, 1176, SSL, API 2500, Retro Instruments, Avalon, Empirical Lab, Pendulum, Manley per a compresors; i Neve, Massenburg, Chandler, Millenia, Elysia, Retro Instruments, Avalon, Pendulum, Kush Audio, API, Weissley i Manley com a equalitzador són molt desitjables.

Un altre aspecte que cal tenir en compte són els plugins que s'utilitzen. Ajuda molt veure les targetes UAD amb plugins o plugins natius com Sonnox Oxford, Tone Projects, Acustica, DMG, Soundtoys, Weiss, Fab Filter, Waves, SSL, Lexicon, Altiverb, Eventide, Relab i així successivament... Després de molts anys de desenvolupament d'algoritmes cada vegada més potents, aquests plugins són excel·lents. També assegureu-vos que l'estudi utilitza un bon programari d'edició de veu, com Melodyne o Antares. Les bateries solen ser un problema, i un complement de substitució de bateries com Drumagog, Trigger i el millor - el trigger de Superior Drummer 3 - pot salvar la situació!

Demaneu sempre que escolteu música (pregueu uns quants CDs) en el mateix estil de la vostra música, a través dels monitors de l'estudi. Els monitors s'utilitzen per a jutjar les peces, la mescla i el mastering. Si són de baixa qualitat, segurament hi haurà un problema! L'enginyer d'estudi està acostumat a elles i pot fer una feina excel·lent, però hi ha situacions en què se us demanarà que prengueu algunes decisions, que accepteu o refacti algunes peces, i potser no podeu tenir una opinió objectiva perquè no coneixeu l'espai sonor! Ajuda si l'estudi té 2 o 3 conjunts de monitors de diferents marques i mides, de manera que pots comprovar-los a tots! Ajuda encara més si els monitors són fabricats per ATC, Barefoot, Focal, Klein & Hummel, Adams, Neve, Genelec, Tannoy, KRK, etc. - només demaneu que escolteu els CD i notareu la diferència! Els detectors detecten fàcilment qualsevol problema i permeten a l'enginyer obtenir un excel·lent equilibri i imatge.

Hi ha molts estudis mitjans i petits molt bons, especialment si et transfereixen els costos generals, que són més baixos (a diferència dels grans estudis que no poden permetre's fer-ho, ja que tenen grans despeses, a causa del personal, lloguer i manteniment costós). Assegureu-vos que ofereix comoditat, una bona acústica i bons monitors i bons equips. Però atenció: Eviteu aquells que graven amb un ordinador, una consola o un preamplificador i micròfons barats.

El meu suggeriment és que penseu dues vegades abans de triar l'estudi més barat, perquè el producte final ho reflecteix. Un micròfon o un preamplificador de 200 euros no pot oferir la mateixa qualitat que pots obtenir d'un micròfon o un preamplificador de 7.000 euros (els micròfons barats fabricats a la Xina que funcionen exactament com Neumann són simplement ximpleria de màrqueting, només saps que ells també volen fer diners! No és que siguin terriblement dolentes, poden ser útils, però són molt inconsistents). Quan s'esforça molt per fer una gravació, és un error estalviar un o dos centenars d'euros en detriment d'una baixa qualitat.

En conclusió, sempre triar l'estudi que et fa sentir més còmode i que satisfà les teves necessitats d'enregistrament. El que realment fa la diferència és l'experiència de l'enginyer, les teves habilitats musicals, l'espai on estàs enregistrant i l'equipament que està captant la teva actuació.
Per què és tan important la mescla i la masterizatciò?

La resposta curta és que voleu que les vostres cançons sonin al mateix nivell de qualitat que totes les altres cançons que escolteu a la ràdio, al cotxe, a la televisió, en streaming o a l'estereo de casa. Tots aquests sistemes d'àudio tenen les seves limitacions (quan es tracta de la dinàmica del so i l'espectre de freqüències), i mitjançant la barreja i el mastering la seva música està preparada per sonar correctament. La teva competència són les cançons de les xarxes comercials, i la teva cançó ha de sonar bé entre elles.
Puc fer la mescla i l'enregistrament jo mateix?

Per descomptat, pots mesclar-ho i mestrejar-ho tu mateix; tanmateix, no t'esperis massa. Es necessiten molts anys per desenvolupar les habilitats d'un enginyer professional, i hi ha una raó per la qual els enginyers de mescles superiors són els més ben pagats de la indústria musical. És gairebé com quan fem feines a casa nostra, com reformes, en comptes de contractar professionals per fer-les. És més barat, però mai serà tan bo o eficaç com els professionals, perquè han passat molts anys fent-ho, tenen molta experiència i tenen les eines adequades per fer-ho.

La curva d'aprenentatge per als enginyers de mescla i masterització és molt llarga i difícil. A més, no oblidem la importància de l'espai acústic, els monitors i els equips.

Si vols que les teves cançons sonin com les de la ràdio o els CDs comercials, has de treballar amb gent experimentada i amb els instruments i l'espai adequats. Estalviant diners, fer la gravació per si mateix és una mica més acceptable que mesclar i masteritzar per si mateix. Tot i així, si vols fer-ho tu mateix, et suggeriria fer cursos a puremix o a groove3; són dos llocs amb preus moderats i professors competents.
Què és el mixatge d'àudio?

La mescla és el procés de posar tot plegat per aconseguir l'equilibri, una gamma de freqüències judiciosament distribuïda, panoràmica, profunditat, dinamisme i interès. És senzill.

La mescla és la part més complexa de la cadena de producció musical i, diria, la més important. Es necessiten anys per a un enginyer de mixatge per fer-se bé en aquest àmbit; per això els enginyers de mixatge són els més ben pagats de la indústria.

Per què és tan important la barreja? Per començar, l'oïda és molt menys objectiva que la vista i molt més oberta a la interpretació, i la manera com les cançons ressonen en les persones quan les escolten és diferent per a cadascú. No sabem gaire sobre com la música interactua amb el nostre cervell i com funciona realment el mecanisme emocional. No obstant això, s'ha fet molta recerca durant les últimes tres o quatre dècades, i els resultats d'aquestes investigacions ens ajuden a entendre millor com fer una barreja. I el més interessant és que, amb tota la subjectivitat, gairebé tots sabem quan una mescla és bona o dolenta.

Els signes d'una mala mescla són fàcils de reconèixer: les veus són difícils de comprendre, de vegades són massa baixes o massa fortes o discordants; alguns instruments, encara que estiguin allà, de vegades semblen desaparèixer; algunes parts principals estan massa enterrades en els instruments, de vegades sembla que els instruments i les veus no estan junts, com si toquessin en espais diferents; de vegades la combinació d'instruments no encaixa, simplement saps que alguna cosa no està bé.

Els signes d'una bona mescla són encara menys complicats: tot flueix, res no sembla estrany, sents l'emoció, el groove està allà, et sents moure i còmode i sents que vols que la cançó continuï!

L'enginyer de mixatge pren una cançó i, amb experiència i decisions creatives, l'ajuda a explicar la història de la cançó. La cançó és el més important, tant si la idea és destacar un instrument, la veu o el que sigui. L'enginyer de mescles posa totes les seves eines i les seves veus, com un pintor posa els colors d'un quadre. Ha de donar suport al missatge de la cançó, i cada cançó és única, així que no hi ha regles ni estàndards.

L'enginyer ve amb una mescla bruta, que es presentarà a l'artista/productor perquè pugui contribuir. Una bona mescla té baixos forts i controlats, mitjanes distribuïdes uniformement entre els instruments i alts forts però no agressius. Les freqüències mitjanes són extremadament importants: una bona mescla encara ha de sonar bé si filtres tot sota 250 Hz i per sobre de 6KHz (recordeu els antics àlbums dels titans del jazz de la casa Blue Note de Rudy Van Der Gelden - no tenien baixos ni sons altíssims, però sonaven!). Tot i que l'enginyer té un punt de vista i intenta fer el millor possible, el que realment importa és l'opinió del client, i l'enginyer de mescles intenta fer-se tan a prop de la imatge que els artistes i els productors tenen en ment.

Sens dubte, el factor més important que influeix en la qualitat d'una mescla és l'arranjament de la peça. El músic/compositor/grup tindrà més èxit si és bon a l'hora d'arreglar les cançons, comprèn el so dels instruments i com es complementen entre si per a destacar la cançó i el missatge de la cançó.

Un bon arranjament presta atenció al tempo, al ritme, a l'altura, a la consonància i a la dissonància. No cal escoltar una cançó sencera per saber quina és, quan la gent sent uns acordes en un ordre determinat en un concert d'Eagle (si-minor, fa diez major/La major...) comença a cantar "Hotel California", o quan comença la línia de baix la gent reconeix immediatament "Beat it" de Michael Jackson. Amb l'arranjament, pots captar l'atenció de l'escoltor, pots portar-lo a un estat, pots crear tensió, pots o no portar-lo a un final de tensió, pots suggerir el control i després pots treure'l de sobte i moure'l cap a l'inconegut.

La major part de la música comercial que escoltem funciona en patrons que provoquen bon humor, ritme, sense cap gran canvi; si mirem amb atenció els principals èxits comercials, descobrirem que tenen la mateixa estructura. Quan s'escolten grups de rock progressiu (com Yes, Pink Floyd, Procol Harum, ELP), les formes són diferents, l'atenció és captada de manera diferent, hi ha un nivell diferent de riquesa - tant armònica com rítmica; hi ha un sentit més profund de com s'utilitzen i s'agrupen els sons. El jazz en general és molt ric en harmonia, ritme i improvisació, i el costat natural del so és molt important.

La mescla és el següent pas després de la gravació. No passem a la mescla immediatament després de la gravació, deixem un temps entre elles. Realitzar la mescla al dia següent no servirà de res. Com a precaució, permet alguns canvis de darrer moment, si és necessari, o potser cal afegir alguna cosa a la gravació. Tots els instruments han d'escoltar-se correctament i ha d'haver-hi una correspondència entre ells. S'ha de tenir la sensació que estem junts, no en espais diferents. La cançó ha de ser rodona, esmaltada, amb un bon sentit de l'espai tridimensional. En teoria, sona simple; en realitat, és molt més complicat.
Què fa exactament l'enginyer de mixatge?

Cada instrument té diferents quantitats d'energia en les seves bandes de freqüència, i aquestes han d'estar disposades de manera que no s'anul·lin entre si i que soïn naturalment juntes. S'han de col·locar en l'espai, tant en estèreo com en profunditat. Les veus o peces principals han de destacar. És interessant saber que si escoltes una bona mescla, i després les cançons per separat, et veuràs que no totes les cançons sonen plenes, però quan són juntes tot està molt bé.

Per a cada tipus de música hi ha una idea de so que és un punt de partida per a l'enginyer de mescles. En detall, cada instrument vibra a diferents freqüències al mateix temps. Tots els sons tenen una base i una sobretonica, les freqüències per sobre de la base. Cada instrument té el seu propi perfil supratonic, el seu propi timbre, de manera que podem diferenciar-los. Aquestes sobretòniques donen una quantitat diferent d'energia en cada harmònica, per exemple, les trompetes tenen una distribució uniforme d'energia, mentre que les clarinetes tenen una energia elevada en harmòniques impares (multipls de 3, 5, 7 de la base).

Peter Schaeffer va fer un experiment molt interessant: va tallar l'inici de cada to, el que anomenem l'atac del so, i en aquell moment era gairebé impossible de distingir l'instrument. Va demostrar que l'atac del so és essencial per a la seva definició. Un altre investigador, Petr Janata, ha demostrat experimentalment que quan s'elimina el fonament d'un so, aquest serà restaurat en les primeres etapes del processament auditiu (escoltem alguns sistemes estèreo o en la màquina i tenim la sensació que el baix és fort, però no hi ha baixos perquè els altaveus no baixen per sota de 125 Hz; el que sentim són només els supratonings de baix).

Tot això es considera quan es fa una mescla, perquè hi ha una zona limitada en què totes les veus/instruments ocupen l'espai. En solitari, alguns instruments poden sonar prim, però junts han de combinar-se. Per exemple, quan es canta amb una guitarra acústica en una cançó típica de rock, el corpus de la guitarra és menys pronunciat, però les harmòniques superiors són destacades. En solitari, pot sonar prim i estrany, però sona bé i es pot distingir en la mescla.

Cada cançó és diferent, i cada enginyer de mescles té la seva pròpia manera de fer la mescla. L'enginyer ha d'entendre de què parla la cançó, quina és la història i quina és la millor manera de dir-la. L'enginyer ha d'entendre l'arranjament i identificar el punt de partida (com en el disco, el cop és tot, o en el jazz, la melodia i el diàleg musical entre els músics), i després, utilitzant el panorama, l'equilibri, la dimensió (efectes), la dinàmica (compressió, gating, limitació) comença a construir des de baix cap amunt, ha d'entendre la direcció de la cançó, assegurant-se que té grooves i capta l'interès.

En la música moderna, per a alguns enginyers, l'enfocament de la mescla és construir la base, creant el triangle bateria-baix-voz i aconseguint el principal equilibri de la mescla. Les bateries poden requerir edició i millora, de vegades els sons de bateria han de ser substituïts o reforçats. El baix i el kick han d'estar junts, complementant-se i funcionant molt bé amb la veu i el primer. Si aquest triangle és correcte, la mescla serà bona. Altres enginyers comencen amb l'element motor de la cançó i després construeixen la base amb ell.

La veu s'edita: reducció de la respiració, eliminació del soroll de fons de les pistes i equilibració subtractiva. L'edició de la veu (corregir el to i la entonació, si és necessari) requereix experiència i instruments especialitzats, com la Melodyne o l'Antares.

En la música clàssica les coses són una mica diferents, encara que l'objectiu final és el mateix. L'edició i la compressió tenen un paper molt limitat, es pot dir que és una mica més fàcil. S'ha de tenir en compte la seva dinàmica i la seva conservació, ja que és una gran forma d'expressió; també, la idea de l'espai és diferent de la de la música moderna, i la paraula més important aquí és "natural". Es requereixen reverberacions de gran qualitat, realistes i creïbles (per més famoses que siguin les reverberacions de Lexicon o TC Electronics, per a l'acústica natural Bricasti M7 és imbatible). La mescla per a la música clàssica és una mica diferent també perquè la manera de capturar els instruments és diferent. La manera correcta de gravar una coral, per exemple, és utilitzar el mètode Decca tree, o XY, amb l'objectiu de capturar la coral com un sol instrument; he vist a algú que gravava una coral col·locar panells acústics entre les seccions de la coral, el que és una completa confusió! L'actuació i l'espai ja estan allà, normalment només cal un ajustament durant la mescla, si el disc ha estat fet correctament. En termes generals, el procés fonamental de la mescla musical consisteix en:

1. Establir els nivells i la panoràmica.
2. Edició i correcció del to.
3. Equalització - substratiu i modelatge de ton.
4. Compressió
5. Processament dels efectes
6. Automatizació de nivells
7. La impressió de la barreja.

Normalment, hi ha diverses versions de la mescla:

- una mestresa, la que agrada a tothom;
- vocal up 1-2 dB;
- una baixa vocal de 1-2 dB;
- una mescla per a televisió, sense vocal principal, sovint anomenada trax, usada per a televisió o karaoke
una mescla instrumental.

És una pràctica habitual preparar diverses versions de certes cançons. La primera és la versió d'àlbum, que sol destacar-se per la seva integritat artística, la segona és la versió AM, que és el mix radiofònic, amb una durada de 3 minuts o més, i el mix de dansa, per al seu ús en clubs de dansa, generalment més llarg, al voltant de 5 o 6 minuts.

Quan feu el pressupost d'un projecte, sempre tingueu en compte el temps per a la mescla; això és molt important. És habitual passar entre sis hores i dos dies en el món de les 16 peces més i dues o tres hores per a una veu. Pots demanar compromisos si el teu projecte és una demostració per promocionar un club, però seria un error fer-ho per a projectes importants.

A més de l'experiència de l'enginyer, hi ha alguns elements importants que tenen una gran influència en la barreja: l'acústica de la càmera de barreja, els monitors i la qualitat de l'equipament - maquinari i programari. No puc subratllar prou la importància dels monitors i l'acústica de la càmera en l'equació de la mescla!
Quins són els processos d'edició d'àudio?

COMPING és el procés pel qual una cançó es composa utilitzant les millors parts de diferents enregistraments de la mateixa cançó. És un procés especialment típic per a la veu.

LA REDUCCIÓ DEL SOROLL és el procés pel qual els sons no desitjats i artefactes com els sorolls de fons, els xiuxits de l'amplificador, els crits del pedal del tambor són eliminats o reduïts considerablement.

TIME EDITING és el procés d'alinear notes que no respecten el tempo, utilitzant diversos mètodes.

PITCH EDITING és el procés de correcció de la altura de les notes.
Alguns diuen que l'analògic és millor que el digital; és cert?

Hi ha una llarga disputa, amb arguments de les dues parts, sobre la barreja ITB vs OTB (ITB = barreja dins de l'ordinador, OTB = barreja fora de l'ordinador, amb una consola o equip de suma analògica i equip extern). Crec que s'ha invertit massa energia en aquest tema; ambdues maneres poden produir excel·lents mescles. Hi ha enginyers famosos que utilitzen només programari, altres que treballen híbrids (amb programari i maquinari), mentre que la resta juran en consoles purament analògiques.

La barreja digital vs. analògica té els mateixos principis bàsics, però alguns aspectes són diferents. Moltes de les mescles realitzades per ITB sonen dolç, el que suggereix que la mescla analògica produeix millors resultats. La realitat és que la mescla digital és més accessible que mai i que hi ha massa gent fent-ho, però no molta gent sap com fer-ho realment. Com en el cas de l'anàleg, es requereixen molts anys per aprendre la mà d'obra.

En digital, un enginyer de mescles ha de passar per certs passos, com preparar el nivell de les pistes per evitar la distorsió creada pel volum excessiu quan passa per convertidors, anomenat clipping. Això és especialment important quan s'utilitza l'enfocament híbrid, per tal de beneficiar-se dels avantatges de les dues maneres (i és també la meva manera d'abordar el procés de barreja).

Independentment de com es fa la mescla, tots aquests enginyers d'alta qualitat treballen en un entorn acústic ben controlat, i això és el primer que hauríeu de buscar quan busqueu un estudi de mescla. Digital o analògica, no importa si el so no s'escolta correctament, i l'acústica de la càmera juga amb les freqüències, creant pics i valls en la resposta acústica de la càmera. La barreja no serà bona, punt.

Els sistemes digitals han arribat a la maduresa: la qualitat que ofereixen és excepcional. Plataformes com Avid/ProTools i Steinberd/Nuendo s'utilitzen en les instal·lacions més professionals. Durant anys, ProTools va ser l'elecció dels professionals, però al voltant del 2010, el motor d'àudio Steinberg (que ara forma part del grup Yamaha) va prendre el control, en la meva opinió, en termes de qualitat. La seva plataforma de VST oberta ha estimulat tercers a produir una multitud de complementos. Nuendo s'ha convertit en la principal força darrere del so en la indústria cinematogràfica (Nuendo i Cubase tenen exactament el mateix motor d'àudio).

Mentre que a Amèrica del Nord Pro Tools és el DAW dominant, a Europa les plataformes Steinberg són la major elecció professional. Hi ha altres plataformes, com Sequoia, Logic, etc., que són bones. La indústria dels plugins ofereix uns efectes excel·lents, com ara Universal Audio - UAD, Tone Projects, Weiss, MAAT, Oeksound, Eventide, Acustica, Sonnox, Waves, Lexicon, FabFilters, Leapwing, TC Electronics, Soundtoys, Altiverb, DSM de Paul Frindle, Brainworks, Newfangled i molts més...

Els sistemes digitals ofereixen alguns avantatges excel·lents: edició ràpida i precisa, capacitat total de recordació, claredat i (almenys en teoria) un gran rang dinàmic (en una gravació de 24 bits, és de 144 dB). Per desgràcia, precisament perquè tantes coses són possibles en digital, hi ha una tendència a tornar i fer tot tipus d'ajustos i correccions, que normalment resulta ser en detriment de la mescla. Hi ha tantes cançons famoses en les quals hi ha problemes d'entonació o de soroll; no serien tan famoses si haguessin estat perfectament realitzades tècnicament.

Últimament, amb l'evolució massiva de DAW, interfícies d'àudio - convertidors AD/DA - i equips d'addició analògica, els processadors de maquinari poden ser fàcilment integrats en el procés de mescla. Aquests processadors de maquinari tenen la seva pròpia signatura sonora. Un complement és pràcticament una representació matemàtica i, en molts casos, emulen el maquinari real amb una precisió impressionant.

No obstant això, el so del maquinari incorpora tantes altres coses, com transformadors, amplificadors operatius, etc. Un sistema híbrid uneix el camp de l'àudio analògic amb el digital. Pot identificar de seguida el so d'una consola Neve o Harrison, un EQ Chandler i moltes altres. De fet, són part del so de la música rock. Hi ha una empremta sonora tant digital com analògica, i a mi personalment m'agrada aprofitar-ne totes dues. Sent que la claredat del digital s'adapta molt millor a la música clàssica i al jazz (en la majoria dels casos, de totes maneres), mentre que altres estils - rock (hard, heavy, alternative, punk, etc.), latino, country, jazz progressiu i àcid, funk, soul, R&B - es beneficien del caràcter que aporten els equips analògics com Neve, Chandler, API, Neve, Thermionic, SSL, etc. Per descomptat, és una qüestió de gust i visió, i un bon enginyer farà una bona feina en qualsevol situació, però és bo tenir a la mà eines de qualitat, per poder seleccionar les més adequades per a una situació concreta i tenir una àmplia gamma d'opcions sonores.

L'essencial és arribar a una barreja equilibrada que ressalti les característiques musicals úniques de la banda/cantant/etc.
Què és la masterització?
Molts projectes musicals surten en estudis d'enregistrament domèstics, on els sistemes de monitoratge i l'acústica de les sales són totalment deficients. La meva recomanació és que aquests projectes siguin masteritzats en un altre lloc, amb un enginyer experimentat que estigui familiarizat amb diferents estils musicals, que treballi en una sala de treball amb un sistema de monitoratge basat en altavoces de última generació construïdes específicament per a l'masterització, amb convertidors A/D/A i cables d'àudio de primera qualitat per a l'masterització i equips analògics i digitals de última generació.

La llista dels aspectes més importants que s'encarreguen de la màster inclou:

l'eliminació de soroll, de glitches i de sirenes, de-humming (a causa de la freqüència de 50/60 Hz de les fonts d'alimentació), de-clicking, de-scratching i de crackling per a la remasterització en vinil.
a netejar el començament i el final de cada cançó, triar la solució més adequada per al començament i el final de la cançó mitjançant l'edició, la millora dinàmica o harmònica de la cançó o simplement la remediació de les incoherències mitjançant EQ, compressió i compressió multibanda.
a Optimitza els nivells de volum mitjà i màxim per a una sonoritat adequada.
o aconseguir l'equilibri sonor adequat per al tipus de cançó (el country és diferent del jazz o R&B).
Afegeix calor i profunditat a les mescles.
corregir i ajustar la imatge del camp estèreo, si és necessari.
col·loca les cançons en l'ordre correcte i ajusta els espais entre elles.
crea una signatura sonora per a totes les cançons que dona cohesió a l'àlbum.
una conversió de la resolució.
ajustar el nivell de les cançons de l'àlbum, de manera que l'escoltator no hagi de pujar i baixar el volum entre cançons.
col·locar-ho tot en el format necessari per a la distribució i crear el master del qual es faran totes les còpies. Podria ser el CD mestre, el DDP, però també altres formats utilitzats per a la distribució a Internet.
realitza la verificació de la qualitat del màster.

Els arxius MP3 són molt populars; el seu problema és la seva inherent pèrdua de sonoritat i la pèrdua de qualitat de l'àudio. Cada vegada més artistes estan atents a la qualitat dels arxius mp3 i entenen que aquests arxius poden ser millorats sonorament mitjançant la màrqueting de la mateixa manera que es màrqueting les cançons habituals. Els MP3s són una eina de màrqueting fantàstica: no vols que les teves vendes es comprometin perquè algú altre té un MP3 que sona millor.

Apple va proposar un nou concepte en el seu esforç per controlar les vendes de música per a diferents plataformes. El seu últim format - HD ACC - permet pràcticament al client escoltar música a la major resolució que el seu reproductor pot fer (iPod, iPhone, iPad, etc.). En alguns casos, serà un format sense pèrdues, en altres no. Serà útil saber com sonarà la teva cançó en cadascuna d'elles, i sí, el masterització és una bona idea, i si vols vendre les teves cançons a través d'iTunes, assegura't que ho dius a l'estudi de masterització i que l'enginyer de masterització sap de què parles.
Últimament, els requisits de qualitat de so han millorat, perquè els serveis de streaming afavoreixen una certa dinàmica i, si les cançons estan massa comprimides, no sonaran bé. Normalment voleu saber com sonaran les vostres cançons quan les utilitzin els serveis de streaming, així que heu de assegurar-vos que l'estudi de masterització us ofereix aquesta oportunitat. No s'envia als serveis de streaming el fitxer en el format que utilitzen; aquests serveis de streaming converteixen el fitxer en el master que s'envia, utilitzant els seus algoritmes, de manera que cal poder escoltar com sona la cançó després del conversor, i això depèn de la qualitat del master i de la mescla.

El vinyl LP ha tornat d'un bon moment; les vendes han augmentat en els últims anys. Per al llançament d'un àlbum de vinil, el mastering s'ha de fer en conseqüència, ja que la preparació i les regles de mastering per al vinil són una mica diferents a les del format digital. Segur que podeu enviar el CD mestre a la tipografia per a fer el vinil, però és una idea estúpida. Les regles del procés de tall del "lac" amb punta de zafir imposen requisits especials. La creació de mono en freqüències baixes o de cançons amb més grooves a l'inici del vinil són només algunes de les coses que són molt diferents dels màsters per a CD o formats d'Internet.

Una de les sorpreses que vaig tenir abans de desmuntar l'estudi abans de marxar de Toronto va ser quan em van demanar que fes uns màsters per a cassetes! No han desaparegut completament!!! M'alegro de no haver llançat el meu Tascam MKII de confiança!
Les fases del procés de màster...
Parlem de les etapes de la mestresa. Al principi (al voltant del 1900) i fins a l'arribada del magnetofón analògic, el so es captava directament en el denominat "lac" - una forma de vinil, que s'utilitzava per crear la "estampa metàl·lica", que imprimia el vinil fondut en els discs reproduïts en platines. En els anys 50, tot això va canviar amb la introducció de les gravadores analògiques, que van permetre una millora dramàtica de la qualitat del so. Com que el producte final en aquell moment encara era el vinil, el procés de preparació del so es va convertir en crític, tenint una gran influència en la interpretació de les cançons i, en conseqüència, en el seu èxit comercial. Els avenços tecnològics en el lliurament de so al client han portat a una sèrie de nous formats per al producte d'àudio: CDs, SACDs, minidiscs i la nova generació de fitxers utilitzats per transmetre música a Internet.

El mastering assegura que la signatura de so contribueixi a la transmissió i integritat del missatge artístic en qualsevol sistema, mentre que proporciona a l'escoltator una experiència agradable independentment d'on escolti. Malgrat l'evolució dels formats de difusió de la música, hi ha alguns passos bàsics en el procés de màster: depenen del propòsit per al qual es realitzi el màster. Per exemple, per a un CD, els passos són:

Preparació del master/mix: tota la informació possible s'ha de transmetre a l'enginyer de masterització, com ara la taxa de mostra, la resolució del fitxer, el format del fitxer, etc.
Transferència de cinta/arxiu
Crear l'ordre de les cançons / editar / crear l'espai entre les cançons. L'ordre de les cançons és extremadament important, no només pel procés de màster, sinó també des del punt de vista de l'escoltar. Sempre jutgeu l'ordre de les cançons tenint en compte el flux del disc.
a Processament/niveles: aquesta és l'etapa en què l'enginyer de màster, mitjançant l'ús d'EQ i compresors, afina les melodies, afegint claredat, força i ajusta la imatge.
Procés de codificació PQ + etiquetatge ID: en aquesta etapa es creen els codis ISRC, UPC/EAN, el text del CD i les dades de protecció contra còpia.
Dithering: sempre l'últim pas en el procés d'enmascarament d'àudio. És a dir, s'afegeix un soroll d'una certa paternitat a la conversió d'un format d'alta resolució a un de menor resolució - per exemple, de 24 bits a 16 bits a la creació d'un CD mestre.
El màster final: la creació i verificació del màster, ja sigui el PMCD (CD pre-màster) o el fitxer DDP (Disc Description Protocol).
Com triar un estudi de masterització?

Quan busques un estudi d'enregistrament, hi ha algunes coses que són importants i que has de tenir en compte.

Els monitors i l'acústica de la càmera de masterització són els elements més influents després de les orelles i l'experiència de l'enginyer de masterització. Les cabines de masterització han de tenir una resposta de freqüència relativament plana, reproduir freqüències baixes a partir de 20 Hz, la càmera ha de tenir un temps de reverberació de menys de 0,3 segons des de 100 Hz fins a 20 Khz i un màxim de 0,6 segons des de 100 fins a 20 Hz, oferir una imatge estereotipada molt detallada, el que significa una resposta en fase excel·lent i una dinàmica controlada.

Els difusors específics per al mastering són molt caros. Algunes de les més utilitzades són ATC, Duntech Sovereign, Barefoot MicroMain27, B&W Nautilus, Tannoy, Lipinski, Paradigm, etc. Tenen una resposta a l'impuls gairebé perfecta, una coherència de fase fantàstica i una precisió increïble: pots sentir clarament la meitat d'un dB quan afegis o retires! Estan dissenyats per a revelar tots els detalls.

Quan vas a un estudi d'enregistrament professional, les cambres estan tractades acústicament i la gent que hi treballa sap el que està fent. No obstant això, és bastant interessant observar que gairebé cap dels estudis d'enregistrament no publica en els seus llocs web la resposta en freqüència de la càmera i la resposta en temps de ressonància. La resposta de la càmera és fonamental per a una bona masterització, i la masterització no és el lloc on es pot fer un estalvi; els monitors inadequats i la mala acústica de la càmera són una combinació mortal per a la masterització.

La resposta acústica de la càmera és essencial per a una bona masterització, ja que és molt important tenir una representació adequada del so que ve dels monitors. Bruel & Kjaer van determinar que la resposta ideal de la càmera hauria de situar-se dins dels 6 dB quan s'estén de 20 Hz a 20 KHz, amb una petita pendent descendent de 1000 Hz a 20 KHz. Les mesures s'hauran de realitzar utilitzant un to de balanç a través dels monitors, registrant-lo i analitzant-lo. Normalment, aquestes mesures es fan amb programari com Room EQ Wizzard i FuzzMeasure. Els resultats mostren problemes en la resposta a la freqüència, la duració, la coherència de fase, la resposta a l'impuls.

El rang entre 20 i 300 Hz és extremadament important i afecta a la mescla i l'enregistrament al màxim grau; a causa dels modes de càmera i de l'energia en l'espectre inferior, la variació normal en aquest interval de freqüència per a una càmera no tractada normal és entre +/- 25 dB i +/- 40 dB. La realitat és que, per millorar la resposta de la càmera, s'ha d'invertir molts diners i passar per un llarg procés d'assaig i error fins que la resposta de la càmera arribi a uns pocs decibels a una resolució de 1/12 d'octava respecte al gràfic de freqüència ideal (que sigui la línia de Bruel i Kjaer o la plana, alguns encara ho debaten). El que s'escolta en una habitació acústicament adequada es tradueix de la millor manera fora de l'estudi, independentment de la manera d'escoltar del client.

El gràfic de sota mostra les mesures realitzades a la càmera de control de Fandango Recording amb un Earthwork QTC-40 en un preamplificador Millenia i mostrades per FuzzMeasure; la freqüència de la càmera és de +/- 3 dB davant de la corba ideal de Bruel&Kjaer de 20Hz a 20KHz, amb un temps de ressonància excel·lent, molt reduït. La norma per a la resposta de ressonant és un màxim de 0,3 segons de 100 Hz a 20 KHz, i un màxim de 0,6 segons de 100 Hz a 20 Hz.
Reverberation time - T30

Frequency response 20Hz - 20KHZ 1/12 Octave Smoothing

Frequency response 20-300 Hz 1/12 Octave smoothing

L'equip adequat, tant el maquinari com el programari, per a l'encanteri és car, però és l'única manera d'aconseguir una mida de so adequada. Pots buscar a Internet i veure quins tipus d'equip tenen els grans estudis de màrqueting. Els noms dels compresors habituals són: Elysia Alpha, Thermionic Mastering Compressor, API2500, SSL-G, Fairchild 670, Manley Vari-Mu, Rupert Neve Design II MBP, Maselec MLA-2, i els equilibradors són: Masselec, Millenia NSEQ, Chandler Curve Bender, Manley Massive Passive, API5500, Avalon AD-2055.
Masterizare AI: pot area încredere?
Hi ha algunes empreses que ofereixen màster d'IA a preus molt raonables o fins i tot gratis: Landr, BandLab, Waves, eMastered, MasterChannel. En general, ofereixen grabacions de qualitat decent i de manera ràpida. Així que és una bona idea utilitzar-les?

La resposta és sí i no. Depèn de la situació. Has acabat una cançó i la has d'enviar ràpidament o mestrar ràpidament per poder-la provar en un club (especialment per a EDM). La maestria de l'IA és una solució, encara que sigui temporal, i t'ajuda a decidir com sona la mescla final.
No obstant això, també és important entendre els aspectes negatius:

La maestria de la IA es basa en algoritmes. Permeten compensar-se davant d'una referència fins a un cert punt, però finalment, les màsters en el temps sonaran igual, com en un procés d'estandardització. Apliquen diferents processos amb l'objectiu d'obtenir un perfil generalment conegut segons l'estil de la cançó.
La màster AI, independentment de l'algorisme, fa la màster en comparació amb altres cançons, així que és més una simulació amb l'objectiu d'obtenir el perfil de les cançons de referència utilitzades, i no hi ha molta creativitat filtrada per l'experiència d'un enginyer de màster i la comprensió de la direcció en què va la cançó.
La màster AI no realitza el control de qualitat, que és extremadament important. No només per a comprovar els clics o qualsevol altre problema, sinó també per a la traducció en diferents mitjans: ràdio, boombox, sistemes d'audiofiles, màquines.
La màsterització de l'AI quan s'utilitza per a un àlbum - ja sigui en vinil o en CD - té grans desavantatges. Mentre màster una cançó d'una manera determinada (com ara triar un so típic d'EDM, funk, rock), en un àlbum un enginyer de màster també mira el medi sonor general, de manera que no hi ha diferències rellevants quan es passa d'una cançó a una altra.
l'AI no introdueix informació com PQ, ISRC i no estableix (es llegeix edita) les pauses i com les cançons flueixen d'una a l'altra.
La tecnologia digital és genial; no obstant això, les típiques unitats d'encanteri analògiques (normalment extremadament cares) tenen un so que és molt buscat; encara que l'IA simula part del seu comportament, la diferència és encara enorme.
La màster AI es basa en l'anàlisi i els algoritmes, però li falta un component molt important en la presa de decisions de màster: la percepció sensorial de la màster i els monitors.
La intuïció humana és molt més avançada que la intel·ligència artificial quan es tracta de sentir i entendre una cançó i, sobretot, quan es tracta d'imaginar en quina direcció va la cançó.

Així, per a un aprenentatge ràpid i per a la comparació, l'IA no és una mala idea. Sobretot per a principiants, per a les demo tapes, o per als que tenen com a objectiu comercial les persones que escolten per telèfons i auriculars, on la necessitat de major qualitat és menor.

Cada empresa d'intel·ligència artificial té un algoritme diferent, fes la recerca. Però prengueu-lo pel que és; utilitzeu-lo quan ho necessiteu, però no caiguis en les trampes del màrqueting. Depèn molt de la finalitat dels resultats i del que intentes aconseguir amb ells. Però els fets són bastant clars: no sé si hi ha un àlbum o una cançó comercialment famosa que s'hagi remasteritzat amb IA. Diuen que s'obté el que es paga, és molt senzill.
Què és la remasterització?

El maestratge és, bàsicament, el suport de so que és definitiu i que es multiplica per als usuaris finals. Fins a l'emmagatzematge digital, les matrius (ja sigui vidre, vinil, cinta, etc.) han patit l'efecte de deteriorament en el temps. En moltes situacions, les matrius són absents, però les còpies de les matrius encara estan disponibles. En el procés de remasterització, la informació es converteix en format digital, i després, utilitzant processament digital i analògic, el master s'enriqueix i es prepara per a la nova generació de dispositius d'escolta, i s'emmagatzema digitalment.

La font passa per diverses etapes, com la eliminació de DC offset, clicks, scratches, fissures i eliminació de soroll, correccions de volum de canals, reparacions i correccions espectrals i edició dinàmica. Es crea un nou mestre, que serà utilitzat per a la posterior duplicació per als usuaris finals. Com en qualsevol procés d'ensenyament, l'experiència i les habilitats de l'enginyer, l'entorn d'escolta i la qualitat de l'equipament són essencials.
Què és una demo?

A menys que ho vulgueu fer només per diversió o per família/amics,

Una demo és una oportunitat de negoci!

Repeteixo:

Una demo és una oportunitat de negoci!!!!

Aquesta oportunitat no és només la teva; també és l'oportunitat de negoci de l'altra part (especialistes d'A&R, editors, agents, gerents, discogràfics, editorials, clubs i pubs). Sempre has de pensar en l'altra part a qui vols arribar i com ella veu l'oportunitat de negoci en la teva relació. Així que faciliteu la vida a la persona que està escoltant la vostra demostració. El demo (ja sigui en CD o en qualsevol altre format que es pugui enviar a Internet) és pràcticament l'instrument que facilita la creació d'un negoci amb l'objectiu de fer diners, ja que vendre música és un negoci!
Quin tipus de demo necessito per a un contracte amb una discogràfica?

Primer de tot, has de tenir tres coses: has de tenir una música molt bona, has de mostrar que pots fer diners i has de tenir un paquet de demos professionals. Sembla senzill, però en realitat no ho és!

Una part d'aquest paquet és la demo, que els nois de l'A&R o els DJs de la ràdio escoltaran i pot ser l'única vegada que escoltaran la teva música. Hauríeu de tenir cançons originals i un so original. Les discogràfiques es mostraran interessades en la vostra música tant que puguin o no vendre la vostra música; no són cap organització benèfica. La demo ha de tenir tres cançons, ni més ni menys, és l'estàndard de la indústria, així que mostra que saps jugar segons les regles de la indústria.

La millor cançó ha de ser la primera - el teu demo és avaluat en els primers 30 segons; assegura't que el que és especial de la teva música es pot sentir des del principi. Sé que una demostració professional no és barata, però recordeu: la qualitat costa.

Una demo no és un preu massa alt si porta a la signatura d'un contracte amb una discogràfica. Pot ser temptador fer la demostració a casa amb el teu ordinador o amb una configuració mínima, però això et donarà una demostració que no està a la mateixa lliga que les demos professionals. Si realment vols ser un artista d'èxit, has de fer tot bé des del principi.

La dura realitat és que la teva competència està representada per artistes que ja estan a la ràdio i que toquen per a grans audiències. Per tant, has de pensar-ho dos cops si vols enviar alguna cosa de baixa qualitat, que pot comprometre la teva possibilitat d'aconseguir que la gent t'atenga quan tens alguna cosa bona per mostrar.

Una altra cosa: llegeix llibres sobre el negoci de la música, consulta Internet i descobreix com vols presentar-te a les discogràfiques. Hi ha tot un conjunt, la demo és una part important d'això, però hi ha altres parts importants. I no us oblideu de tornar de tant en tant i llegir el nostre blog, ja que discuteix diferents aspectes de la indústria musical.
Quin tipus de demo necessito com a compositor per vendre cançons?

Les demos de compositors són una mica diferents. Aquestes demos no han de ser sobreproduïdes, amb orquestra completa! Una bona peça rítmica i una gran veu o encara millor una simple guitarra/baix/bateria amb veu podria ser tot el que necessites. Intenta combinar el gènere i l'estil del cantant amb el gènere i l'estil de l'artista que vols que prengui la cançó. La veu principal és molt important per aconseguir l'èxit. Necessiteu una interpretació excel·lent, no notes baixes!

Vendre la cançó! Intenta que el tema de la cançó es senti el més ràpid possible, oblida els solos de guitarra o de bateria. Tot i que aquestes demos no haurien de ser sobreproduïdes, la correcció vocal (especialment el to!) és obligatòria.

Podeu gravar les cançons a casa -grabacions DIY- i intentar gravar la veu i fer-ne les mixes vosaltres mateixos. Una millor opció és que la veu i la mescla es facin en un estudi d'enregistrament que tingui millors equips d'enregistrament / monitors / ambient acústic controlat / instruments de treball. Si ets un compositor, però no toques un instrument o no ets un bon cantant, demana a un estudi que faci una demo de la teva cançó - molts estudis t'ajuden a fer-ho.
Quin tipus de demo necessito per a contractes en bars i clubs?

Necessites un CD de demostració per a agents de reserves, directors de clubs i pubs. Pot ser una bona idea gravar un espectacle en directe i després seleccionar els millors moments (fragments). Un gerent de club estarà més interessat en com bé la banda pot tocar en viu i en la capacitat de l'acte d'entretenir al públic!

Si teniu algunes demos d'estudi, està bé, però us recomanaria que hi afegíssiu almenys una cançó en directe. Fins i tot podeu pensar en vídeos ara que tothom té telèfons intel·ligents. Però el CD és una bona idea, només perquè la majoria dels locals tenen un reproductor de CD. Es pot gravar des de la consola (un live de dues pistes) o contractar a algú que ho faci de manera professional, com un enregistrament de múltiples pistes i després fer la mescla en l'estudi. Una altra manera és anar a l'estudi, configurar l'equipament com si estiguéssim cantant en directe i cantant i enregistrant, i després podem remeixar-ho si volem.

Si ets un cantant/compositor i vols aconseguir concerts en clubs/cafets/etc, pots fer-ho ser enregistrat en viu o en un estudi o fins i tot a casa, però si no sona bé, almenys comprova amb un estudi i mira què es pot fer per millorar-ho!
Quin tipus de demostració necessito per a l'admissió a les escoles de música?

Una part de l'inscripció a una escola de música universitària o a un concurs de música clàssica és enviar una demo. Pots fer-ho en un estudi, o pots contractar a algú que pugui gravar-ho en el lloc, de manera que puguis gravar en un lloc que coneguis, on et sentis còmode i on t'agrada l'acústica. Podria ser la teva casa.

Si el demo és important per a tu, comprova les credencials de l'estudi i mira si té experiència en música clàssica!

La gravació i el mixatge de la música clàssica és bastant diferent de la música moderna. Mentre que en la música moderna hi ha una guerra de volums i tot està comprimit, en la música clàssica la dinàmica és una forma d'expressió, així que assegureu-vos que l'estudi té aquest tipus d'experiència.
He de dominar el demo?

No subestimes l'etapa de màster! Imagina que algú està escoltant la teva demostració i el volum és baix. Creus que l'equip d'A&R augmentarà el volum i treballarà amb l'equilibrador? El mateix passa amb qualsevol demostració que tingui com a objectiu captar l'atenció d'algú! Potser no vulgueu fer-ho en un estudi de màster costós, i està bé, perquè hi ha altres opcions, però assegureu-vos que la vostra demo sona bé comparada amb la música dels altres!
Quines cançons usaré per a la demo?

Les decisions sobre què posar en un demo són bastant lògiques: si vols una carrera com a cantant/compositor, només has de gravar cançons originals. Si voleu posar en valor la vostra veu, podeu fer covers, però millor no us feu les cançons més conegudes, llevat que us aporti alguna cosa realment excepcional! Si vols treballar al cabaret, al teatre, al circuit dels pubs/clubs, el demo ha de ser una compilació de la teva interpretació del tipus de cançons que interpretaràs. Una gravació en directe aquí seria el millor. En altres paraules, el CD de demostració s'hauria d'adaptar a les exigències del mercat.